Dirección: Alma Har’el

Guión: Shia LaBeouf

Elenco: Noah Jupe, Shia LaBeouf, Lucas Hedges, Maika Monroe, Natasha Lyonne y Martin Starr

La vida de Shia LaBeouf (Transformers) ha dado mucho de qué hablar, y ahora llega una película que el actor escribió durante su estadía en rehabilitación, que funciona como una catarsis emocional, rodeada de excelentes actuaciones. LaBeouf interpreta a su propio padre, brindando una mirada a lo que fue su experiencia como niño actor, principalmente cuando se encontraba grabando la conocida serie de Disney Channel, Even Stevens (2000-2003), aunque alterando nombres y escenarios.

En Honey Boy, Otis (Noah Jupe) es un niño de 12 años que descubre desde muy joven la cara oculta de Hollywood, actuando en shows de televisión para niños. Su padre, James (Shia LaBeouf), es un antiguo payaso de rodeo que después de enfrentar diferentes problemas, decide convertirse en el guardián de su hijo. Cuando Otis no está grabando sus escenas, la convivencia entre ambos es muy compleja, y Otis anhela que James se comporte como un verdadero padre. 

En el que es su debut como directora, Alma Har’el logra un trabajo excepcional, logrando brindarle muy buenos elementos visuales, desde movimientos de cámara a decisiones de luz que propician una atmósfera envolvente, íntima y personal en los momentos adecuados. Las temáticas de expectativas de un niño actor, el cómo se le espera actuar tanto como niño como adulto, en diferentes contextos, se encuentra presenta y funciona como guía, además de la relación padre-hijo que se desenvuelve en pantalla. Para agregar, lo que pide de los actores es fenomenal y logra que se presenten personajes muy bien desarrollados, ya que concentra la mayoría de su tiempo en los personajes de Otis y Hames.

Honey Boy presenta grandes actuaciones, iniciando por Otis en su niñez, interpretado por Noah Jupe (A Quiet Place), y en su etapa adulta por Lucas Hedges (Waves). Ambos actores logran representar el crecimiento de Otis y las diferentes etapas de su vida, viviendo las secuelas de una vida temprana tan caótica. Por otro lado, Shia LaBeouf brinda la que es, me atrevo a decir, la mejor actuación de su carrera 

El guión del mismo Shia LaBeouf le brinda a la cinta una personalidad única y un discurso catártico, mostrado en la relación del personaje principal y su padre, la cual dista de ser perfecta. Al contrario, muestra una realidad cruda y sumamente agobiante, que abraza al espectador en la desesperación y constantes frustraciones que rodearon la vida temprana de LaBeouf en la industria. La película funciona como una terapia catártica y un cambio en su creador, el cual se concentra alejarse de gritar al vacío y abre su alma, exponiendo una difícil parte de su vida a todo aquél que este dispuesto a escucharlo. Aún así, en su misma experiencia de liberación, la película puede llegar a sentirse desordenada y sin rumbo, una muestra de lo que su vida llegó a ser en algún momento.

En conclusión, Honey Boy cuenta con grandes actuaciones, una voz única en su guionista, una dirección que eleva los sentimientos que busca provocar y una historia que resuena con el espectador.

Mi veredicto: 8/10

¿Cómo le fue en otros sitios?

Metascore: 73/100

Rotten Tomatoes (porcentaje de críticas positivas): 94%

Rotten Tomatoes (promedio): 7.6/10

Vela si: Buscas una historia terapéutica que te invitará a reflexionar.

Dirección: Leigh Whannell

Guión: Leigh Whannell

Elenco: Elisabeth Moss, Storm Reid, Harriet Dyer, Aldis Hodge, Oliver Jackson-Cohen y Zara Michales

Atrás ha quedado el ya abandonado Dark Universe de Universal, aquel de las fallidas películas de Dracula Untold (2014) con Luke Evans o The Mummy (2017) con Tom Cruise, ambas productos de lo que fue el intento del mencionado estudio de tener su propio universo cinematográfico con los monstruos de antaño. Ahora, con un nuevo enfoque de películas stand-alone para sus propiedades de monstruos, llega The Invisible Man, una adaptación contemporánea de la clásica novela de H.G Wells.

Cecilia (Elisabeth Moss) intenta reconstruir su vida tras recibir la noticia de que su antigua pareja, un maltratador empedernido del cual huyó, ha fallecido en misteriosas circunstancias. Sin embargo, su cordura titubea cuando empieza tener la certeza de que en realidad sigue vivo y se encuentra siguiéndola de una forma muy particular.

Leiah Whannell, co-creador de la franquicia de Saw, junto a James Wan (Aquaman), y director tanto de Insidious: Chapter 3 (2015) como de Upgrade (2018), logra presentar un thriller psicológico con amplios elementos de horror, que funciona muy bien y brinda la primera buena película de terror del año, y vaya forma de hacerlo. Más allá de monstruos mitológicos o momias, el horror en The Invisible Man se siente real. El lenguaje visual de la cinta es uno de sus aspectos más fuertes, que permiten que una presencia antagonista, en su mayoría invisible, se sienta absolutamente presente a lo largo de la película y verdaderamente escalofriante.

La estrella, innegablemente, es la fabulosa Elisabeth Moss (The Handmaid’s Tale), quien tiene la ardua tarea de venderle al espectador un enemigo invisible al cual debe derrotar. No solo es una gran actuación por sus diálogos bien presentados o por el basto rango de emociones que presenta, sino una actuación física que demanda pelear contra un villano que no se ve, lo cual lo vuelve aún más aterrador.

Últimamente, las palabras remake, reboot, reimaginación, etc… han sido sinónimo de películas que simplemente no han estado a la par de sus antecesoras o que no logran poner nada nuevo en el mapa, pero es precisamente aquí en donde The Invisible Man triunfa, brindándole una nueva perspectiva, una visión actualizada, a una historia publicada en 1897 y que vio su primera adaptación a la pantalla en 1933. El darle un nuevo discurso a una historia tan antigua, y que funcione, es de aplaudir. No hay un esfuerzo en la cinta de presentar innecesarias referencias a un mundo repleto de monstruos, porque la cinta perfectamente se sostiene por si misma con una temática fuerte, como lo es la de una relación abusiva, la cual ya es lo suficientemente aterradora.

En conclusión, The Invisible Man prueba que es posible reimaginar un clásico para audiencias modernas, logrando deconstruirlo y mantener en su mera esencia, aquello que le da el elemento de horror a la historia, pero rodeándolo de temáticas actualizadas y necesarias.

Mi veredicto: 8.5/10

¿Cómo le fue en otros sitios?

Metascore: 71/100

Rotten Tomatoes (porcentaje de críticas positivas): 92%

Rotten Tomatoes (promedio): 7.5/10

Vela si: Buscas una buena historia de terror psicológico y la primera gran película de horror del año.

Dirección: Trey Edward Shults

Guión: Trey Edward Shults

Elenco: Sterling K. Brown, Alexa Demie, Clifton Collins Jr., Lucas Hedges, Taylor Russell, Kelvin Harrison Jr. y David Garelik

Atrás ha quedado la temporada de estrenos de enero, en donde salas fueron apoderadas por terribles películas de terror y otros títulos que estudios quisieron esconder. Ahora, llega a salas mexicanas, Waves, la nueva película de A24, estudio detrás de títulos como Uncut Gems (2019) y The Lighthouse (2019).

Waves narra el emotivo y caudaloso viaje de una familia afroamericana que vive en los suburbios del sur de Florida, la cual deberá enfrentarse a una terrible pérdida en su vida y abrirse paso entre el amor, la aceptación y la unión.

La dirección de Trey Edwards Shults (It Comes At Night) propone algo único y el realizador imprime su estilo, lo cual es algo que siempre encuentro bienvenido. Su lenguaje visual es basto y lleno de propuestas de cámara inusuales (aunque siempre con un propósito), un manejo de iluminación cautivador y técnicas de sonido excelentes, con lo que la película adquiere una identidad propia que la ayuda a destacar y sostenerse, además de que su propuesta visual ayuda a aumentar la visión humana y absolutamente personal de la cinta. De la misma forma, la elección del soundtrack logra amplificar la intención de las escenas, orquestado de una forma tanto efectiva como en pro de la estética de la cinta.

Sterling K. Brown (Black Panther) es quien logra una de las mejores actuaciones de la película, mostrándose como el padre que intenta, muchas veces de formas polarizantes, tratar de mantener a su familia unida a toda costa y de lograr el éxito de su hijo, sin importar las consecuencias. Kelvin Harrison Jr. (It Comes At Night) muestra que es un actor que tiene mucho que dar y no sería sorpresivo verlo en un mayor número de proyectos en el próximo año. Pero es Taylor Russell (Lost in Space) quien presenta la que creo es la mejor actuación de la cinta, aunque sea un personaje en el fondo durante la primera parte de la historia, logra tomar el protagonismo y brindar una auténtica sorpresa en su actuación.

Los problemas de ritmo no son innegables en Waves, propiciados por su duración de dos horas y quince minutos, que llega a pesar. En su forma de contar la historia, la película cuenta con dos arcos narrativos importantes, los cuales siguen a la familia a lo largo de su camino a la perdición y la forma en que sus meros cimientos se van, poco a poco, desmoronando y cayendo. Hay un aspecto, en donde el final álgido y tenso de su primer gran arco, puede hacer que el espectador llegue a esperar lo mismo en su segunda parte. Pero más allá de imperfecciones técnicas en su historia, el trasfondo que hay es que se logra presentar una historia emotiva que nunca cae en lo barato, acompañada de un sinfín de emociones que van desde la felicidad y el orgullo, a la más clara expresión de nerviosismo y ansiedad; es una -ola- narrativa de principio a fin. Aunque la base de Waves no es necesariamente su historia, ya que no es muy convencional, son los personajes y el cuidado que se nota en su construcción y desarrollo, los que permiten que la película logre trascender y llegar a un entendimiento con el espectador.

En conclusión, Waves es una historia tanto emotiva como personal, una mirada a una vida ajena, pero que logra resonar con cualquiera a lo largo de los diferentes temas que maneja, y que es auspiciada por un envidiable trabajo técnico, principalmente en el manejo de cámara y propuesta audiovisual.

Mi veredicto: 8/10

¿Cómo le fue en otros sitios?

Metascore: 80/100

Rotten Tomatoes (porcentaje de críticas positivas): 83%

Rotten Tomatoes (promedio): 7.7/10

Vela si: Buscas una historia sensible, acompañada de una gran dirección y actuaciones envidiables.

Dirección: Guy Ritchie

Guión: Ivan Atkinson, Marn Davies y Guy Ritchie

Elenco: Matthew McConaughey, Charlie Hunnam, Henry Golding, Michelle Dockery, Jeremy Strong, Eddie Marsan, Colin Farrell y Hugh Grant

Guy Ritchie, ya muy lejos de Snatch (2000), no ha tenido los mejores últimos años, con películas como King Arthur: Legend of the Sword (2017) y Aladdin (2019), las cuales han fallado en que el director inglés logré imprimirle su particular estilo y visión, además de no lograr encantar ya sea a las audiencias o a los críticos de una manera uniforme. Una de sus cintas que no es muy mencionada, pero en mi opinión es una de sus mejores producciones, es The Man from U.N.C.L.E. (2015), la cual insisto, merece una secuela en el futuro próximo. 

Mickey Pearson (Matthew McCounaghey) es un estadounidense que se ha enriquecido al crear un imperio de distribución de marihuana alrededor del Reino Unido. Cuando se comienza a esparcir la voz de que busca vender el negocio, crea un número de consecuencias de parte de muchas personas que buscan quedarse con su territorio y contactos.

La dirección de Guy Ritchie le permite traer a la pantalla su mejor película desde The Man from U.N.C.L.E. (2015). Se nota que el director ha regresado a lo que mejor sabe hacer, a lo que verdaderamente disfruta, que es género del crimen. Su estilo visual voraz y de cortes rápidos, permite que la cinta se sienta como un viaje de cientos de kilómetros por hora y sin escalas hacía el más puro estilo del inglés, también sabiendo llevar un elenco plagado de estrellas y dándole a cada quien lo necesario para no opacarse demasiado los unos a los otros. Es decir, Ritchie logra imprimir un balance actoral en donde, naturalmente, es muy difícil conseguir uno.

En general, las actuaciones de la cinta son muy buenas, propiciadas por un diálogo dinámico. Matthew McCounaghey (Interstellar) da una gran actuación que lo vuelve a colocar en el carril adecuado, Charlie Hunnam (Pacific Rim) tiene una sorpresiva y fuerte presencia en pantalla, Michelle Dockery (Downton Abbey) es alguien extrañada en pantalla y que debió haber tenido mucha más presencia a lo largo de la película, Colin Farrell (The Lobster) marca un antes y un después en la cinta, mientras que Henry Golding (Crazy Rich Asians) da una sumamente divertida actuación. Pero es Hugh Grant (Notting Hill) quien  se roba la película como el personaje de Fletcher, quien básicamente nos va guiando, como espectadores, a lo largo de la historia, todo esto de una forma muy original, ya que incluso ha escrito su propio guión para poder vender la historia que vemos en pantalla. 

Hablando de la historia, los primeros minutos de la película marcan el rumbo que tendrá, y el dinamismo intrínseco de Ritchie, el cual se extrañaba, puede dejar atrás a más de un miembro de la audiencia y olvidarlo completamente; directo y sin escalas a preguntarse qué es lo que está pasando durante el resto de la película. El guión es dinámico, aunque no siempre sabe a dónde canalizar toda su energía, pero más allá de todo eso, el diálogo es fenomenal y le imprime mucha personalidad a cada uno de los personajes.

En conclusión, The Gentlemen es un regreso a forma para Guy Ritchie y una prueba de que debería dejar atrás las grandes películas de estudios y dedicarse de lleno a lo que en realidad sabe hacer, y además, se nota que disfruta.

Mi veredicto: 8/10

¿Cómo le fue en otros sitios?

Metascore: 51/100

Rotten Tomatoes (porcentaje de críticas positivas): 73%

Rotten Tomatoes (promedio): 6.3/10

Vela si: Te gustaron las primeras películas de Guy Ritchie o buscas una divertida cinta de acción, con un muy buen elenco.

Dirección: Jeff Fowler

Guión: Pat Casey y Josh Miller

Elenco: James Marsden, Ben Schwartz, Tika Sumpter y Jim Carrey

Las películas basadas en videojuegos no tienen el mejor historial en Hollywood, y aunque Detective Pikachu (2019) logró enderezar el camino para el género el año pasado, queda aún mucho por hacer para lograr borrar de la memoria el sinfín de títulos que han fracasado tanto con fans como con críticos. Ahora, es turno de Sonic, el veloz erizo de Sega, de tener su propia adaptación a la pantalla grande; todo esto después de rediseñar al personaje completamente, por la revuelta que causó en línea el primer tráiler, provocando un retraso de varios meses en el estreno de la película.

Después de llegar a nuestro mundo, el famoso erizo azul llamado Sonic (Ben Schwartz) deberá detener al Doctor Robotnik (Jim Carrey), el cual solamente busca apoderarse de la criatura azul para estudiar su velocidad, después de ser contratado por el gobierno. A su lado estará Tom Wachowski (James Marsden), el sheriff del pequeño pueblo de Green Hills, quien decidirá ayudarlo a escapar.

El debut cinematográfico de Jeff Fowler como director no permite imprimirle un estilo visual particular y se nota confinado por su historia, pero es de aplaudir su compromiso con el proyecto, después de atrasar la película por el rediseño del personaje. El manejo de su humor es bueno, mas no excepcional, y cuenta con algunas buenas secuencias de persecuciones de autos. Por otro lado, el flujo de su historia es pobre y con altibajos constantes, con secuencias que se perciben innecesarias. La película no es el desastre que se veía, pero tampoco es un gran trabajo de parte de los realizadores. Algo que sigo sin entender es el constante uso de la temática del “pez fuera del agua”, que en este caso es Sonic en nuestro mundo, ¿por qué no mejor una película en el mundo de Sonic?

Al ver la película doblada, es difícil poder juzgar las actuaciones de los actores de una forma completa, pero en el trabajo de las voces en español, Mario Castañeda doblando a Jim Carrey, que tiene un excelente manejo del humor no verbal, realiza un buen trabajo. Luisito Comunica hace un trabajo aceptable, aunque es notable la diferencia con alguien como Castañeda, un profesional de la industria. Algo que afecta los diálogos es el intento de regionalización del diálogo, el cual simplemente no funciona. Notablemente, y como es costumbre, muchos chistes se notan perdidos en la traducción. 

El guión es simple y no pide demasiado de la audiencia, inmediatamente agregando elementos ya conocidos de películas similares, además de que llega a tener momentos en que simplemente es aburrido y parece no llevar a ningún lado, aquellos ya mencionados momentos sobrantes. Eso sí, para el fan de los títulos de Sonic, hay muchísimas referencias e easter eggs que definitivamente no querrán perderse y que dejarán a más de alguna con la expectativa de una nueva cinta para seguir con la historia.

En conclusión, Sonic The Hedgehog definitivamente no es el desastre que se veía con aquel lejano primer tráiler, pero las buenas intenciones en el rediseño de su personaje no fueron suficientes para levantar una historia formulaica y plana.

Mi veredicto: 6/10

¿Cómo le fue en otros sitios?

Metacritic: [Por anunciarse]

Rotten Tomatoes (porcentaje de críticas positivas): [Por anunciarse]

Rotten Tomatoes (promedio): [Por anunciarse]

Vela si: Eres muy fan de Sonic y de sus videojuegos.